Archivo de la etiqueta: lpafilms

LPAFILMS recupera el documental Lou Reed Berlin, de Julian Schnabel, en pantalla grande

Jueves 7 de noviembre, 19:00 horas. Multicines Monopol

lou_reeds_berlin_ver3

El Festival de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, dedica la primera sesión de su octavo mes de proyección doble en los Cines Monopol a uno de los grandes nombres de la música contemporánea, Lou Reed, cuyo trabajo marca un antes y un después en la historia del rock y que falleció el pasado 27 de octubre.

Así, a las 19:00 horas, el público de LPAFILMS podrá rescatar Lou Reed Berlin (2007), de Julian Schnabel.

Hablar de Reed es, indudablemente, hacerlo de los fundamentos del rock, de un letrista que imprime poesía a cada composición, y cuyos trabajos ha obsequiado de impagables momentos a la industria cinematográfica.

La lista de cineastas que han ambientado míticas escenas con la música de Reed es extensa, desde Danny Boyle, en Trainspotting, a Oliver Stone en Natural Born Killers, o David Lynch en Lost Highway. Wes Anderson, Stephen Frears, Cameron Crowe y Gus Van San, entre otros muchos, son algunos de los grandes nombres del cine que se han servido de la música de Reed.
Pocos, pero memorables, momentos ha brindado al cine los cameos del artista, inolvidable su aparición en Blue in the Face, de Paul Auster y Wayne Wang, o Lulu on the Bridge, de Paul Auster.

Julian Schnabel, encargado de la puesta en escena del concierto en directo del álbum, completamente íntegro, Berlin (1973), celebrado a finales de 2006, en Nueva York, pone el foco en Lou Reed y en la treintena de músicos y voces que lo acompañaron, entre los que estaba Steve Hunter, guitarrista original del disco, y recoge en Lou Reed Berlín la crónica de la presentación del concierto, testimonio de un momento musical único.

berlindisco

Basquiat, Antes que anochezca y La escafandra y la mariposa han hecho al artísta plástico y realizador cinematográfico Julian Schnabel (Nueva York, 1951) acreedor de prestigiosos galardones y nominaciones internacionales entre los que destacan la Palma de Oro de Cannes, el BAFTA y el Premio César.

LPAFILMS presenta la inauguración de Ibértigo, una sesión doble dedicada a Martín Patino

 La sesión doble dedicada a la figura de Basilio Martín Patino tendrá lugar el próximo jueves 17 de octubre, en los Cines Monopol con la presencia del realizador

BASILIO 5 (1)

La organización del Festival de Cine presenta, con motivo de la 11 ª edición de Ibértigo (Muestra de cine iberoamericano de Las Palmas de Gran Canaria), una segunda sesión doble en el mes de octubre.

Madrid (1987) y Libre te quiero (2012), ambas del realizador salmantino Basilio Martín Patino, conforman una cita que se incluye dentro de la muestra de Cine Iberoamericano organizado por la Asociación de Cine Vértigo. Ambos títulos conforman la proyección inaugural de Ibértigo, una cita ineludible, que tendrá lugar el próximo jueves 17 de octubre, a las 18:30 horas, la primera, y a las 20:30 horas, la segunda, en los Multicines Monopol, bajo el paraguas de LPAFILMS.

Basilio Martín Patino, responsable de uno de los cuerpos fílmicos más íntegros del cine de este país, con más de cinco décadas de trayectoria a sus espaldas, presentará sus trabajos ante el público, como invitado de excepción de Ibértigo.

Martín Patino (1930) participó de forma decisiva en las I Conversaciones sobre el Cine Español, conocidas como las Conversaciones de Salamanca (1955). Aquel evento tuvo una importancia fundamental en el futuro del cine español, en el que Patino empezó a dejar muestras de su arte desde su primer largometraje, “Nueve cartas a Berta” (1966), con el que alcanzó la Concha de Plata en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Madrid y Libre te quiero trasladan a la pantalla la firme convicción del director manifestada en estas palabras, “Sólo lo que se filma sinceramente, subjetivamente, quizás desesperadamente, trasciende sobre cualquier pequeña realidad”.

 

Dos de los documentales más impactantes de la temporada en la sesión doble de octubre de LPAFILMS

 Los Multicines Monopol acogen, el próximo jueves 3 de octubre, el documental experimental Leviathan, de Lucien Castaing-Taylor y Véréna Paravel, y el internacionalmente aplaudido The Act of Killing, de Joshua Oppenheimer, Christine Cynn

 Ambos títulos podrán verse en los Multicines Monopol con una única entrada de 5 euros. De nuevo, La Azotea de Benito Cocktail Bar ofrecerá una consumición al público que acuda con su entrada al local, situado en la 2ª planta del centro comercial.

cabecera facebook negraoctubre

La organización del Festival de Cine, dependiente del Ayuntamiento capitalino, confía su sesión doble del mes de octubre, que tendrá lugar el próximo jueves 3, a las 19:00 y a las 21:00 horas, en los Multicines Monopol, a dos de los títulos más representativos de las nuevas corrientes cinematográficas: Leviathan, de Lucien Castaing-Taylor y Véréna Paravel, y The Act of Killing, de Joshua Oppenheimer y Christine Cynn, obras respaldadas por la crítica cinematográfica, y por importantes Festivales.

leviathan 2

De nuevo, LPAFILMS centra su sesión doble a seguir de cerca la pista al cine, que fuera del circuito comercial, se ha abierto camino en festivales internacionales. Dentro de esta filosofía de ofrecer un retrato múltiple de la sensibilidad cinematográfica de nuestros días, y bajo el convencimiento de que el cine es un arte vivo y personal, presenta, en octubre, el documental Leviathan, que narra la faena de un barco pesquero en alta mar.

La película, una coproducción entre Reino Unido Francia y Estados Unidos, ofrece un arriesgado ejercicio que, como su nombre advierte, dista mucho de las amables imágenes de un documental didáctico. Grabado en el Atlántico Norte, en la costa de New Bedford (Massachussets), los directores Lucien Castaing-Taylor y Véréna Paravel han utilizado mini cámaras deportivas, instaladas en el material de los marineros así como sumergidas en las profundidades del mar para lograr lo que el crítico Daniel de Partearroyo califica “como una de las experiencias más arrolladoras e intensas que se pueden vivir dentro de una sala de cine este año”.

Visión expresionista de distintos momentos de la vida en alta mar”, “instantánea apocalíptica, relato terrorífico y fantasmagórico sobre la belleza y la furia marina”, son algunos de los comentarios recogidos de otras tantas críticas sobre esta película que ha recibido el Premio ex aequo al Mejor Documental en el Festival de Sevilla de 2012 y el Premio FIFRESCI y Mención espacial del Jurado en el Festival de Locarno.

the act of

En el segundo pase de la sesión doble, 21:00 horas, el público vivirá similar intensidad y desasosiego, una experiencia cinematográfica, como poco, desconcertante.
The Act of Killing bucea en la delicada frontera que separa al ser humano y al monstruo que conviven en los asesinos, que como parte de escuadrones de la muerte, perpetraron, y aún hoy se jactan, de los crímenes cometidos como parte de escuadrones de la muerte.

Así, en esta línea, se pronuncia Oppenheimer, uno de los responsables de la cinta, en una entrevista concedida a Nando Salvá, de El Periódico de Catalunya, quien asegura creer que «si haces una película sobre un genocidio, debe ser una película aterradora. Y debes tratar de entender a los perpetradores: el porqué, y también el cómo».

Efectivamente, The Act of Killing parte del golpe de estado militar que en 1965, puso en el poder al general Suharto, en Indonesia. Tras la subida al poder del ejército llegó el genocidio: miles de comunistas, reales o presuntos, fueron asesinados, de forma selectiva, por movimientos armados legitimados por el poder.

Contundente y unánime se muestra la crítica sobre la película ganadora del Premio del Público de la Sección Panorama y Premio del Jurado Ecuménico, del pasado Festival de Berlín. Asimismo reconocidos cineastas han apoyado con sus palabras a este título sin precedentes “No he visto un film tan potente, surreal y aterrador en la última década“, ha afirmado Werner Herzog. Como “film asombroso e impresionante” la cataloga el director Errol Morris, quien, además, asegura “Como todos los grandes documentales, The Act of Killing exige otra manera de ver la realidad.”

Leviathan. (Reino Unido / Francia / Estados Unidos. Lucien Castaing-Taylor y Véréna Paravel, 2012), 19:00 h.
The Act of Killing (Dinamarca / Noruega / Reino Unido. Joshua Oppenheimer y Christine Cynn, 2012), 21:00 h.
V.O. subtitulada
Multicines Monopol. 5 euros

 

Road to Nowhere, del mítico Monte Hellman, segunda película de la sesión doble de LPAFILMS de junio

  • Jueves 6 de junio, 21:00 horas, en Multicines Monopol

Road to Nowhere

road_to_nowhere_poster2

Road to nowhere, sintetiza en un título la infinita pasión por el oficio de su autor. Con el título Hellman explora el digital y, a través de una trama de intriga que lleva muy lejos el juego del cine dentro del cine, pone a sus protagonistas al servicio de un relato en bucle que tiene algo de conspiración y mucho de canto a la narración cinematográfica. 

“En este juego tan cinéfilo de una película denrto de otra, hay espacio para las referencias al pasado del director, para un sentido del humor que roza el excentricismo, para un misterio digno del noir, para un trabajo sobre la ficción que emparenta Road to Nowhere con Mulholland Drive (David Lynch 2001) y para un gusto por la metafísica apuntalada sobre un plano final que recuerda tanto a Carretera asfaltada en dos direcciones, como a El Tiroteo.” Violeta Kovaciscs, Sitges 2011

Monte Hellman

monte hellman2

Diplomado en dicción y en dirección escénica en la Universidad de Stanford, ha trabajado como actor en la compañía Stumptown Players, después montaría su propia compañía centrada en teatro de vanguardia, del que tomará interesantes referencias en su carrera como cineasta.
El teatro lo pone en contacto con Roger Corman, para el que dirigirá su primera película Beast From the Haunted Cave (1959), entre otras, y con quien se introducirá en las diferentes facetas de la producción cinematográfica.

De Corman aprende infinidad de recursos que quedarán plasmados en sus primeras películas, como la capacidad de trabajar con recursos limitados o el óptimo empleo del tiempo. Gracias a este bagaje, Hellman es capaz de rodar dos títulos a la vez, Back Door to Hell (1965) y Flight to Fury/Cordillera (1965), ambas protagonizadas por Jack Nicholson. Juntos, como director y protagonistas, y financiados por Corman ruedan dos películas objeto de estudio: los westerns El tiroteo y A través del huracán (1967).

En 1971 rueda la que sería la película que más notoriedad pública le daría, Carretera asfaltada en dos direcciones. Pocos títulos seguirían a esta última. Después del tirón comercial de Two-Lane Blacktop/Carretera Asfaltada en dos direcciones Hellman se mantiene en la periferia de la industria, al margen del tirón comercial.

 

 

LPAFILMS presenta O Gebo e a sombra, de Manoel de Oliveria en su sesión doble de junio

  •  jueves 6 de junio, 19:00 horas en Multicines Monopol

 Gebo et l’ombre

cartel film

Del centenario Manoel de Oliveira, Lady Harimaguada de Honor del Festival 2009, llega la coproducción franco-portuguesa O Gebo e a Sombra, una película que se mantiene fiel a los códigos del maestro portugués. Se trata de una pieza teatral de título homónimo de Raul Brandâo, en la que un honrado contable vive con su esposa y su nuera la ausencia de un hijo desaparecido. La reaparición marcará la tragedia de la familia, y destapará los pilares sobre los que se asentaba la ausencia en la mente de los protagonistas, dando lugar a un inesperado juego de luces y sombras.

Manoel de Oliveira

manoel de oliveira2

Manoel de Oliveira (Oporto, 1908) es ejemplo de una brillante y arriesgada cinematografía. Se inició en el cine documental en 1931 con la realización del cortometraje, Douro, faina fluvial, película que describía una jornada de trabajo de los pescadores de las riberas del río Duero. En 1942 dirigió su primer largometraje Aniki Bobó, interpretada por una pandilla de chicos de las calles de Porto. Pasaron veintidós años hasta que presentó su segunda película, Acto de primavera (1963) y otros nueve para la tercera, O passado e o pressente, (1972). Durante la década de los setenta rodó sólo dos películas más, Benilde, ou a Virgem Mae (1974) y Amor de Perdiçao (1978). Sin embargo, a partir de los años ochenta arranca una vertiginosa trayectoria marcada por el rodaje de un largometraje anual, al tiempo que recibe el reconocimiento de la crítica internacional y los galardones de los festivales más prestigiosos. Entre otros muchos, Oliveira ha recibido la Palma de Oro de Cannes, el León de Oro de Venecia, el Berlinale Camera, homenaje del Festival de Berlín.

Su producción cinematográfica de ficción, marcada por una reflexión constante acerca de la naturaleza del arte, el espectáculo y la esencia del ser humano, asume, en sus trabajos más recientes, un período crítico con sus particulares retratos de la pobreza: Singularidades de una chica rubia (2009) o El Extraño caso de Ángelica (2010).

 

 

Mapa y Once upon a Time in Anatolia, propuestas de LPAFILMS para mayo

  • La película española ganadora del pasado Festival de Sevilla y nominada al Goya al Mejor Documental, Mapa, y la turca Once upon a Time in Anatolia, Gran Premio del Jurado de Cannes, protagonizan la programación de LPA FILMS el próximo 2 de mayo, a las 19:00 horas, la primera y a las 21:00, la segunda, en los Multicines Monopol

Mapa - Elías

La organización del Festival de Cine, dependiente del Ayuntamiento capitalino, propone dos nuevos títulos a descubrir en Las Palmas de Gran Canaria: la última película ganadora del Festival de Sevilla, Mapa (España, 2012), y el último Gran Premio del Jurado de Cannes, Once upon a Time in Anatolia (Turquía, 2011).

LPA FILMS continúa su andadura con un programa doble que reúne el primer jueves de cada mes dos películas de referencia en el circuito de festivales internacionales. Así, el jueves 2 de mayo, en los Multicines Monopol, por un precio único de 5 euros, los espectadores tendrán acceso a Mapa, de Elías León Siminiani, (19:00 horas), y a Once upon a Time in Anatolia, de Nuri Bilge Cylan (21:00 horas). La sesión doble se completará con la invitación a una consumición en La Azotea de Benito Cocktail Bar, en la 2ª planta del C.C. Monopol.

erase-una-vez-en-anatolia-2-10008539

LPA FILMS presenta Mapa, 1ª película sesión doble Mayo

  • Jueves 2 de mayo, 19:00 horas Mapa, de León Siminiani (85 min)

MAPA-poster

El viaje a la India, después de ser despedido en la televisión, como vía para alcanzar el sueño de realizar un largometraje, es el punto de partida de Mapa, un diario espontáneo filmado por León Siminiani (Santander, 1971). La película, que adquiere tintes de invención al ser tratado con herramientas y recursos del mundo de la ficción, está considerado por un importante sector de la crítica como una refrescante sorpresa “para cazadores de rarezas” (José Arce, La butaca).

El debut en la dirección de largometrajes de León Siminiani, Mapa, llega después de una extensa y exitosa carrera como cortometrajista en la que destacan títulos de ficción como El Premio (2011) o de ensayo como el multipremiado Límites. 1ª persona, que a su vez formó parte de un importantísimo ciclo del Festival de Las Palmas, D-Generación. Ese ciclo permitió detectar el florecimiento de nuevos autores hispanos que, a lomos del formato digital, transitaban con originalidad una especie de zona media entre ficción y no ficción, totalmente ajena a los usos dominantes del cine convencional.

Mapa, como era de esperar en función de esta fraccionada carrera entre ambos mundos, se encuadra a medio camino entre el documental y la ficción. La película, estrenada en circuitos reducidos hace escasos meses, llega precedida de la nominación a los Premios Goya en la categoría documental y de importantes premios en festivales como Sevilla o REC Tarragona. Además, ha sido seleccionada por certámentes como IDFA y Mar de Plata.

LPA FILMS presenta Érase una vez en Anatolia, 2ª Película sesión doble 2 de mayo

  • Jueves 2 de mayo, 21:00 horas Érase una vez en Anatolia (158 min)

erase-una-vez-en-anatolia-cartel

El proceso de observación a una expedición, integrada por policías, sospechosos, testigos, un procurador, un médico y dos excavadores, en busca de un cadáver, da cuerpo a Érase una vez en Anatolia, de Nuri Bilge Ceylan (Estambul, 1959) realizador turco cuya trayectoria cinematográfica está unida a su condición de fotógrafo.

De ambas facetas nace un especial gusto por la imagen fija y las tomas largas que han hecho que los programadores de importantes festivales hayan fijado su vista en él. Su trabajo, reconocido internacionalmente a partir de la selección de su segundo largo por el Festival de Berlín, Clouds of May, le ha reportado prestigiosos premios, entre los que destacan tres grandes galardones del Festival de Cannes: el Gran Premio del Jurado por Érase una vez en Anatolia, el Premio Especial del Jurado por Uzak / Lejano (2002) y el Premio al Mejor Director por Three monkeys (2008)

Érase una vez en Anatolia, película que tras su apariencia realista esconde una gran metáfora, muestra la divergencia entre los diferentes mundos que coinciden en ese punto concreto de la geografía: civilización versus superstición, y la infinidad de matices que conviven entre ambos extremos.

El título, una obra maestra según los expertos, da un papel activo al espectador que deberá sacar sus propias conclusiones a medida que avance en la trama:

“Érase una vez en Anatolia es una obra que crece y crece después de su visionado. Sus personajes y el misterio que éstos acarrean persigue a aquel que se ha sumergido en la intensidad de sus imágenes”. (Déborah García, Cine Divergente)

 

LPA FILMS presenta el último trabajo de Béla Tarr el primer jueves de abril

Jueves 4 de abril, 21:00 horas The Turin Horse, de Bela Tarr

the turin horse

La familia, desde un punto de vista completamente diferente, vuelve a estar presente en la segunda película de la doble sesión programada por LPA FILMS. The Turin Horse se desarrolla, como es habitual en Béla Tarr, en una atmósfera de apariencia preapocalíptica, en un entorno rural extremadamente hosco y desapacible, y muestra varias jornadas en la vida de un cochero, su hija y un viejo caballo. El punto de partida se inspira libremente en un episodio que marca el fin de la carrera de Friedrich Nietzsche, cuando el 3 de enero de 1889, en la plaza Alberto de Turín, el filósofo se lanzó llorando al cuello de un caballo agotado y maltratado por su cochero, para caer luego desmayado. Desde ese momento, Nitzsche dejó de escribir y se hundió en la locura y el mutismo. Esta anécdota misteriosa habría dado pie al cineasta y al guionista y escritor László Krasznahorkai, su más fiel colaborador, para imaginar el destino del animal en un contexto de extrema dureza. Así, es posible imaginar el argumento de la obra maestra de Robert Bresson, Al azar Baltasar (1966), como un eco que resuena en los páramos ventosos donde se desarrolla El caballo de Turín.

Béla Tarr
Béla Tarr (Pécs, Hungría, 1955), miembro integrante del consejo de directores de la ONG en defensa de los derechos humanos Cine Foundation International (2011), nació y creció en el seno de una familia de clase trabajadora. Interesado ante todo por la Filosofía, en su juventud dirigió su curiosidad cinematográfica hacia el documental, poniendo el foco en la vida de trabajadores y ciudadanos sin recursos de la urbe húngara.

A los 22 años dirige Nido familiar (1977), rodada en 6 días, en riguroso blanco y negro y con actores no profesionales, rasgos que se mantendrían como una constante a lo largo de su filmografía. Después vendrían El intruso (1980) y Gente prefabricada (1981), en la misma línea documental-ficción.

En 1982, con una adaptación para televisión de Macbetch, su trabajo comenzó a cambiar formalmente. A partir de estos momentos, la sensibilidad visual de Tarr evoluciona desde su característico realismo, hacia un sentido de la puesta en escena cargada de ritualidad, extrema en su desarrollo de la duración de los planos, y simbólica en un sentido que recuerda a la obra de Andrei Tarkovsky. El cineasta, sin embargo, siempre ha negado tal semejanza, prefiriendo reconocer la influencia de Fassbinder y su imaginería de la miseria.

En esta línea dirigiría títulos como Almanaque de otoño (1985), La condena (1988), y las impresionantes Sátántangó (1994) y Las armonías de Werckmeister (2000), películas por las que es hoy reconocido como gran heredero de la mejor tradición del cine de autor europeo.

En 2007 realiza El hombre de Londres, seleccionada para la sección oficial de Cannes, y en 2009 acomete el rodaje de la que dice ser su última obra, El caballo de Turín.

LPA FILMS, detalles de la sesión doble del jueves 7 de marzo

  • El molino y la cruz y Holy Motors abren el programa doble de LPA FILMS

El Festival Internacional de Cine inaugura, el jueves 7 de marzo, su nuevo programa LPA FILMS con una sesión doble, en los Multicines Monopol, dedicado a dos de las películas que más y mejor dieron que hablar a lo largo del pasado año 2012: A las 19:00 horas podrá verse una de las grandes revelaciones del año, la película del director de culto polaco Lech Majewski, El molino y la cruz; y a las 21:00 horas comenzará la segunda de las sesiones con la multipremiada Holy Motors, de Leos Carax.

La sesión doble tendrá un precio único de 5 euros, dando la posibilidad al público asistente de escoger entre ver una película, o las dos, siempre al precio habitual de las salas. El programa incluye una charla con un experto en la materia, que será responsable de introducir al espectador en el universo estético propio de cada filme, así como en los códigos narrativos y visuales de la película. El jueves 7, el escritor, historiador y crítico de arte Jonathan Allen será quien guíe al espectador ante la joya artística y cinematográfica El molino y la cruz.

Al término de la segunda película, el público de LPA FILMS estará invitado a disfrutar de una consumición en La Azotea de Benito Cocktail Bar, en la segunda planta del C.C. Monopol, en el que será punto de encuentro para debatir y profundizar sobre los títulos vistos.

fotograma 2 molinoylacruz

El molino y la cruz (The Mill and the Cross), presentada en el Festival de Sundance, y ganadora del Premio Especial del Jurado del pasado Festival de Sevilla, además de los múltiples galardones con los que se ha hecho en su país de origen, está inspirada en los detalles de la obra El Camino del Calvario, del pintor flamenco Pieter Brueghel.

Tres años de postproducción ha necesitado esta creación, que parte de la idea, o tagline, de que detrás de una gran obra hay una gran historia. Materia en la que Majewski goza de gran prestigio como experto en bucear en la naturaleza del creador y en el proceso del artista. Películas con su sello, bien como director, Angelus, o como guionista, Basquiat, dan cuenta del dominio del autor a la hora de abordar la complejidad del artista y le han hecho ser eje de una exposición retrospectiva de su trabajo en el Museo de Arte Moderno en Nueva York (2006).

En El molino y la cruz, Majewski pone el foco, imagina y otorga vida a doce de los personajes del cuadro El Camino del Calvario. El cineasta polaco pintó los decorados y utilizó lo último en técnicas digitales para incorporar a los actores al mundo de Brueghel.

Michael York (La fuga de Logan, Austin Powers), Charlotte Rampling (El portero de noche, Veredicto final) u otros actores habituales en la filmografía de Majewski como Joanna Litwin (Angelus) o Dorota Lis (El jardín de las delicias), dan vida a los curiosos personajes, entre los que destaca el holandés Rutger Hauer (Blade Runner) en la piel del mismísimo Brueghel.

HOLY-MOTORS-BY-LEOS-CARAX-3

A las 21:00 horas comenzará Holy Motors, de Leos Carax, una obra capital para entender la infinidad de matices que hay entre la vida y la muerte. LPA FILMS incluye este título que fue todo un acontecimiento en el último Festival de Cannes, gran ganadora de Sitges, 2012, y que acumula un importante número de premios en su primera jornada de programa doble.

9 nominaciones, incluyendo Mejor película a los Premios César, el Premio de la Juventud del pasado Festival de Cannes, el Premio a la Mejor Película Extranjera del pasado Festival de Chicago, los Premios a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Film Europeo, y Premio de la Crítica de Sitges son algunas de las distinciones con las que se ha hecho el título.

La película explora el aquí y ahora, despierta, desafía y activa la realidad dormida. Presenta un día en la vida de un ser con múltiples caras: asesino, mendigo, ejecutivo, monstruo, padre de familia… El protagonista tiene una identidad completamente distinta en cada una de estas vidas. Encarna personajes como si se tratase de una película dentro de una película. ¿Pero dónde están las cámaras, el equipo de cine, el escenógrafo? ¿Y dónde está su casa, su refugio?